Mary Kate O’Flanagan este o scriitoare și jurnalistă premiată și expertă în Storytelling On The Screen. Activitatea sa în domeniul filmului și al televiziunii a transformat-o într-unul dintre cei mai solicitați profesori de scriere de scenarii și de dezvoltare de scenarii din Europa. Lucrează în Marea Britanie, SUA, Africa de Sud și în întreaga Europă, precum și în Irlanda, țara sa natală.
Mary Kate lucrează în calitate de co-scenarist creditat și de script doctor necreditat. Împreună cu sora ei, Rachel O’Flanagan, oferă cursuri de formare în domeniul abilităților de povestire pentru profesioniști. Ele sunt interesate în special de poveștile adevărate pe care oamenii și entitățile le spun despre ele însele – modul în care aceste povești le modelează inevitabil viitorul.
Mary Kate a fost prima povestitoare din Irlanda care a fost campioană la Grand Slam Storyteller la The Moth. A fost, de asemenea, Storyteller campion Grand Slam la The Moth din Los Angeles și Storyteller campion la Dublin StorySlam în mai multe rânduri.
Această poveste a devenit virală pe TikTok, câștigând peste 1 milion de vizualizări și, posibil și mai notabil, secțiunea de comentarii este (aproape) în întregime pozitivă. A fost inclusă în cele mai bune zece povești de la The Moth de la postul de radio PBS, precum și faptul că a fost numit de mulți dintre ei drept povestea preferată a celor de la Moth.
Mary Kate a transformat câteva dintre poveștile sale adevărate într-o piesă de teatru, Making A Show of Myself, pe care o repetă în prezent pentru ceea ce sperăm că va fi un succes de succes, la Smock Alley Theatre din Dublin, în decembrie 2023.
TEXT CURATORIAL:
În primul rând, sunt fascinată de obiectele tangibile care creează luminile, culorile și sunetele imateriale care alcătuiesc imaginile de pe ecran, aproape până la punctul de a le venera. Masa de lucru luminoasă, în special, este o piesă de echipament atât de solidă și robustă, de o frumusețe transcendentală în simplitatea și puritatea sa, aproape nobilă în scopul său – de a da viață poveștilor pe ecran pentru iluminarea și încântarea publicului. Fiecare dintre noi, cei care lucrăm în cinematografie și televiziune, suntem dedicați la cea mai minuțioasă execuție a meseriei noastre, fără de care iluzia nu se susține, Fără concentrarea și dedicarea reprezentate aici, nu reușim să întâlnim publicul acolo unde acesta dorește să ne întâlnească, în lumile magice pe care le evocăm prin artă. Prin aceasta, realizăm lucrări care captează imaginația.
De asemenea, placa de clape este o piesă de echipament robustă și lipsită de orice rațiune care, în afara contextului, ar putea părea banală. Cu toate acestea, prin privirea uneori solipsistă a cinematografiei și prin intensa poveste de dragoste cu ea însăși, clapeta a devenit o piesă de echipament care este familiară pentru publicul care nu a fost niciodată și s-ar putea să nu se apropie niciodată de un platou de filmare. A devenit o reprezentare iconică a speranțelor și viselor cineaștilor de pretutindeni. A ajuns să reprezinte momentul cheie în care eforturile întregii echipe vor fi surprinse pe peliculă. În sine, este un obiect care a căpătat o tensiune dinamică. Câte duble vor fi necesare pentru a surprinde viziunea regizorilor? Va fi vreunul dintre ele suficient de bun pentru a capta atenția publicului, suficient de mult timp pentru ca acesta să își suspende neîncrederea și să intre în iluzia creată de toată această muncă și mașinărie? Clapeta este o piesă simplă și esențială în fabrica de vise. Includerea sa în această expoziție este un indiciu al legăturii atemporale dintre public și regizori.
Setul de machiaj este al treilea obiect 3D pe care l-am selectat. Vedem din nou un obiect robust, conceput pentru a fi transportat și pentru a rezista la lovituri. În sine, nu este deloc efemer. Dar ceea ce conține este un set de baghete magice care pot modifica complet înfățișarea unui personaj. Machiajul este fascinant pentru relația sa jucăușă cu transformarea, în fața și în afara camerei. Ne permite să ne jucăm cu identitatea, o temă-cheie în cinematografie. S-ar putea spune că îndemânarea artistului este de a ascunde meșteșugul în slujba poveștii, iar acest lucru este valabil mai ales în cazul machiajului – de obicei, nu vrem să vedem fisurile. La fel ca și Masa de lucru luminoasă, această cutie reprezintă dedicarea față de arta care nu caută gloria. Abilitățile make-up artistului sunt rareori văzute. Ea muncește ore îndelungate de dragul meseriei sale și de plăcerea de a se pricepe la ea.
Tabloul (White Moor) al studioului românesc de animație Animafilm este un exponat deosebit de emoționant. Este o relicvă din trecut (dinainte de 1989 în România). Existența sa ne spune că, chiar și în cele mai dificile circumstanțe, artiști dedicați continuau să creeze lucrări, să spună povești și să încerce să transceadă circumstanțele pentru a emoționa și a distra publicul. Faptul că studioul a șovăit și apoi s-a prăbușit după 1989, victimă a peisajului politic în schimbare, este deosebit de melancolic. Includerea acestui arterfact ne leagă de acel trecut, o legătură dulce-amară.
Celelalte două exponate 2D pe care le-am ales sunt posterele pentru Ghost Dog și Bugsy Malone. Nu este o surpriză faptul că mulți pasionați de film colecționează postere. Acestea reprezintă adesea primul nostru punct de legătură cu experiența pe care o vom avea cu povestea de pe ecran. Așa cum demonstrează aceste două afișe, limbajul grafic, atunci când este bine executat, evocă sentimentele pe care filmul le va invoca în rândul publicului. Afișul pentru Ghost Dog este în mod deliberat strident – neclar și greu de înțeles dintr-o privire. La fel ca multe dintre lucrările lui Jim Jarmusch, filmul Ghost Dog este exigent față de spectatorii săi, refuzând să servească o poveste fără ca aceștia să lucreze pentru ea. În cazul lui Bugsy Malone, aceasta este vibrantă, exuberantă, excesivă. După cum spune colaboratorul Larry Karaszewski, acesta comunică spectatorului atent că totul și orice este posibil în cadrul filmului.